Oscar 2018 | A Forma Da Água

Embora não seja tão marcante quanto os clássicos do diretor, em seu idioma original (a língua espanhola) a exemplos de "Labirinto do Fauno" (2006) e ''A Espinha do Diabo" (2001), ''A Forma da Água'' (2017) é o filme feito para Hollywood de Guillermo del Toro até o momento.  O longa é uma fábula visualmente emocionalmente  e absorvente, que sintetiza tantos gostos peculiares desse cineasta único. É também um conto de fadas e um filme  de monstro, um Noir, e um referencial para a Era de Ouro de Hollywood, mas, acima de tudo, é uma história de amor. É poético, porém acessível, é sério sem ser chato.  A sua maior falha é quando seu enredo finalmente leva uma rota surpreendentemente convencional para um lançamento cotado a Oscar e talvez não seja tão convencional tornando-o previsível e preguiçoso.

A história se centra em Elisa (Sally Hawkins), uma mulher solitária e muda que trabalha na limpeza de um laboratório secreto do governo dos EUA em 1962. O mais novo "bem" do laboratório é uma criatura anfíbia capturada na Amazônia (sim, fica bem claro que é daqui do Brasil), onde os indígenas o adoraram como um Deus. Porém, os cientistas americanos acreditam que a criatura poderia oferecer vantagens militares e científicas contra os soviéticos na Guerra Fria em andamento, por isso  o sujeitam a experiências e torturas para aprender mais sobre ele. Elisa faz contato com o anfíbio, oferecendo-lhe compaixão, cuidado e companheirismo. Seu fascínio com ele logo se transforma em desejo romântico, o que a leva a fazer escolhas que colocam todos os envolvidos em perigo.

''Muito Bom''

A Forma da Água comemora o poder e a magia dos filmes, e os cineastas se divertiram claramente evocando diferentes estilos do cinema clássico de Hollywood. Em nenhum lugar isso é mais evidente do que na sequência mais emocionante do filme, um número musical preto e branco generoso. Graças à sua florida cinematografia e grandes projetos de produção e arte (que vão desde o gótico até o steampunk), e transporta o espectador para outra hora e lugar. As sequências subaquáticas são particularmente interligas e elegantes que oferecem a Elisa uma fuga de seus limites sombrios.

As influências mais aparentes deste filme são Criatura da Lagoa Negra (1954) e de A Bela e a Fera (duas novas versões das quais o del Toro já havia sido anexado ao leme). Mas essa variação da Bela e a Fera faz do que uma vez foi sujeito sensivelmente a criação de seu roteiro. Para dizer sem rodeios, esta história de amor ''interespécies'' é decididamente não platônica. O que poderia ter sido ridículo ou grosseiro é, em vez disso, algo compreensível e emocionante graças à execução pensativa de del Toro e às performances cativantes dos dois intérpretes.

Sally Hawkins dá uma performance quase totalmente silenciosa. É um retrato finamente matizado e vibrante, cheio de sagacidade e paixão irônica. Ela é o coração deste filme e simplesmente não funcionaria tão bem como se não fosse pela sua sincera performance.  O outro desempenho silencioso igualmente cativante do filme pertence ao Doug Jones perpetuamente ignorado, que anteriormente trouxe Abe Sapien (Hell Boy) e Fauno à vida para o del Toro (entre várias outras colaborações). 

Jones é um ator de corpo cujo desempenho e pantomima dão vida e a humanidade a projetos de criaturas evocativas, e o anfíbio desse filme é possivelmente sua criação mais emocionante e cativante. Gracioso e sensual, mas também primordial e animalista, Jones admite essa criatura com o que os melhores e mais simpáticos monstros de filmes, como King Kong, têm: a alma. Juntos, Hawkins e Jones fazem com que este alinhamento seja a coisa mais convencional sobre o filme é a sua história, com um enredo que nunca chega em qualquer lugar que você não pode ver telegrafado com bastante antecedência. Mas sim sobre familiaridade  que também se estende para outros personagens do elenco. Tão bom quanto Michael Shannon e Octavia Spencer estão aqui,  o primeiro está cobrindo novos caminhos em seus respectivos papéis como uma figura de autoridade assustadora e imponente e o segundo é uma coadjuvante que se diverte como alivio cômico. No momento em que ambos os atores aparecem na tela, é evidente quem eles vão estar em toda parte e eles continuam a tocar todas as notas esperadas. 

Para finalizar, tenho que ressaltar a deliciosa trilha sonora do já oscarizado-compositor Alexandre Desplat que se deleita em melodias que casam diretamente com todas as cenas do longa, sua assinatura fica clara que com o decorrer da história, as canções vão ganhando um formato novo do melódico ao inusitado com o  acréscimo de “Chica Chica Boom Chic” da Carmem Miranda,  “La Javanaise” da Madelaine Peyroux. Também destaca-se a fotografia que escalada em tons verdes em cenas de perigo e também para representar a água (mesmo confundido com o azul, as vezes), o amarelo no apartamento da Elisa apresentando conforto, e um discreto vermelho sinalizando o contraste da paixão e da violência.